ARTÍCULOS SOBRE EL PINTAR

COLOR 2014 /  CÍRCULO CROMÁTICO Y COLORES COMPLEMENTARIOS

PARA TODA PERSONA QUE SE INTERESE POR LA ARMONIA DEL COLOR en pintura y en su vida.

UNA EXPERIENCIA    /       Más allá de las tendencias de libre expresión en el arte moderno, más allá de la confusión general actual de creer que pintar “abstracto” o  “expresionista” es pintar “lo que salga”, tenemos que aceptar que la naturaleza viviente responde a ciertas leyes de armonía y equilibrio dinámico que se manifiesta obviamente también en nuestro cuerpo – nadie puede negar que somos seres vivientes y que por ejemplo nuestra respiración, funciones biológicas, ritmos cardíaco y otros no dependen de nuestro pensamiento y mucho menos de nuestra atención o deseos.
El color es una sensación visual. El ojo también responde a esa ley de armonía  dinámica de la vida misma.  Es el más engañoso y superficial de los sentidos y sin embargo no escapa a esta ley de la naturaleza.   Pinte o encuentre un cartón / superficie lisa de color intenso (un cartón aprox. de 12x12 cm amarillo o rojo o azul o violeta, etc), color bien definido.  Apóyelo sobre una superficie blanca lisa de mayor tamaño y ubíquela frente a usted estirando bien el brazo (o sobre una pared blanca) . Siéntese tranquilo frente a ella observándola sin tensiones. Mirela  aprox. de medio a un minuto, dejando que la vista se sumerja en en centro de esa superficie de  color, sostenidamente pero sin tensión ni esfuerzo.  Luego  - siempre manteniendo la vista fija-   retire el cartón de color (con la otra mano) con gesto rápido dejando –repito- su vista siempre  fija en el mismo lugar (donde antes estaba el color, ahora está el blanco del cartón de atrás o la pared blanca ).  Inmediatamente aparecerá muy luminosa  la “imagen residual” virtual, no material,  DE UN COLOR DISTINTO CREADO POR SU PROPIO OJO. Ese color será el complemento necesario para que las células visuales y el cerebro  puedan retomar el equilibrio y descanso dinámico al que siempre tienden. Al color lo crea el propio ojo!!
Algunos aprendimos sobre los colores complementarios. “Los opuestos en el círculo cromático”- nos dijeron. Con este ejercicio  de imagen residual (*),  -descubierta ya por Delacroix, por Goethe y tantos otros grandes del llamado pasado-  realizado varias veces con distintos cartones de color, descubriremos que los colores complementarios realmente se originan en  la reacción biológica de nuestro organismo (aquí con la visión) que busca equilibrar , “descansar” ante un solo color mirado tanto tiempo .  Entonces llevamos incluidos en nosotros mismos la relación de colores complementarios? Sí. Y este descubrimiento nos en útil primero, para  comprender un poco más lo que significa nuestro organismo como viviente. Segundo, para manejarnos en este mundo de formas llevando con nosotros este registro vital de los colores complementarios.  Veremos colores luminosos nunca logrados con pigmentos. Experiencia que puede abrir caminos hacia otras vivencias más profundas ya que comprobamos en nosotros mismos que lo real no termina en lo que puedo tocar con las manos y está “fuera” de nosotros.
El tema del círculo cromático (o mejor , de los al menos dos círculos cromáticos), de los varios sistemas de color entre otras definiciones y comprobaciones al alcance de todos, será tema de artículos venideros. Por hoy ya podemos empezar a tomar nuestra visión en cuenta y, a través de ella,  saber que sí o sí para vivir en un ambiente armónico o bien para realizar una obra pictórica, por ejemplo es muy interesante tener presente este ejercicio visual para acercarle al observador la situación propicia acorde con la armonía.  Sabemos entonces ahora de la importancia de  elegir un color dominante (en vestimenta, ambientes, diseño, artesanía o arte) que  debemos relacionar explícita o implícitamente con su complementario. Empezar a tomar en cuenta nuestro cuerpo como  integrante de una ley vital universal es abrir el camino a la posible expresión que va más allá de nuestros gustos, personalidad, moda, ideología y estudios realizados.
(*) Ver Itten “El arte del color” como introducción general  a su estudio de la armonía y la expresión-




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PINTAR ACUARELA / ALGÚN DATO Y REFLEXIÓN

Qué es una acuarela?

Es una pintura realizada con pigmentos unidos con goma arábiga como aglutinante . Se presentan en tubos o pastillas y diluyen con agua. Los pinceles son de pelo (natural o artificial) suave, redondos o chatos de variadas medidas según el tamaño del papel: que llega a medidas de 70 x 50cm. Estas acuarelas se denominan de “gran formato”.


En relación al óleo o al acrílico, la técnica de la acuarela es una de las más efímeras en cuanto a su materialidad. Serían como “gotas de agua coloreadas”.
El soporte en la acuarela es papel pero de un gramaje importante (esto es el peso en gramos de la hoja de  papel (se sugiere desde 150/ 170 grs para principiantes hasta un promedio de 300 gramos o más para uso profesional) , lo que brinda en definitiva un grosor conveniente y resistencia para soportar ser humedecida, lavada, raspada, y remojada total o parcialmente varias veces. Hay marcas clásicas de hoja  especial para acuarela.

Qué brinda esta técnica a la persona que pinta?

En principio, rapidez y luminosidad .
Esa rapidez es la inmediatez  . Llevando pocos pinceles y un frasco con agua, un trapo y un pequeño bloc de hojas, rápidamente uno se ubica frente al tema exterior o interior y, previo marcado de líneas y direcciones con lápiz, con varias manchas ( en minutos o alguna que otra hora)  se puede definir una obra que muchas veces supera el “boceto” o “previo estudio de”
Luminosidad /  Al trabajar con acuarela, el blanco del papel juega un rol fundamental. Ese blanco debe traslucirse siempre dando dicha luminosidad a las manchas de color. Desde la máxima claridad jugando como blanco, hasta aparecer aún bajo los tonos más oscuros. Una buena acuarela nunca obtura el papel ni da sensación de sectores opacos “muertos”.
Luminosidad y transparencia son dos aspectos esenciales en esta técnica.

Dónde y cómo se apoya el papel
Inclinación :Hay tantas maneras de uso como personas que la practiquen, depende del objetivo, hasta de la personalidad y capacidad de la persona.
Clásicamente se enseña que la hoja debe mantenerse inclinada y adherida perfectamente  por sus lados  con cinta de enmascarar (previo humedecer la hoja o no) a un soporte rígido (chapadur, fibrofácil, etc. Algo rígido liviano y con superficie perfecta sin rugosidad)
Esta inclinación ayuda a la caída de la gota de color, cuando se hacen los llamados “lavados” o cuando se quiere direccionar las manchas húmedas.
Otros trabamos con la hoja  libremente prendida con algunos clip , lo que nos da facilidad en el control de las manchas, por ejemplo.
Otros ubican el soporte completamente vertical, otros horizontal. O sea, hay como en toda técnica, directivas y consejos básicos –que son muy útiles porque siempre nos hablan de las posibilidades  y límites de la materia-color (según su aglutinante, soporte, relación graso, acuoso, etc,etc).
Una vez obtenido ciertos consejos, lo fundamental es empezar la práctica y así interactuar –como sucede naturalmente- con la observación y nuevas búsquedas profundizando el procedimiento ya desde la necesidad interior del sujeto.
Además, junto con la ubicación del papel está la posición y actitud del sujeto: cómo ubicamos nuestro cuerpo, nuestras manos, cómo tomamos el pincel? Depende de muchas cosas ...pero de lo que sí podemos estar seguros es de que una pintura surge del cuerpo humano -( o sea, de un ser vivo, orgánico) algo tan obvio y a veces tan poco tenido en cuenta - que termina en un gesto personal a través del pincel.

En la historia  de la acuarela ésta ha sido utilizada desde para colorear letras, ilustrar escritos, bocetar temas al aire libre para luego realizarlos en óleo (aquí directamente como arte menor y de apoyo secundario). Otros artistas descubrieron su potencial intrínseco donde la acuarela comienza a desplegar su belleza propia. Todas estas formas siguen coexistiendo entre los tantos acuarelistas de los diversos países que hoy podemos valorar –en sus distintos niveles de profundidad- .. Aquí  tienen un importante valor para todos  (nosotros artistas y principiantes) y las distintas páginas de arte, de enseñanza de técnicas hasta de artistas valiosísimos que se muestran en videos pintando sus acuarelas del inicio al fin.
Como en toda expresión , a grandes rasgos, se descubren tendencias figurativas, expresionistas, naif (algunas en realidad “infantiles”), las llamadas abstractas.... etc.
Luego también aparece el llamado “estilo”,  que cada uno va forjando donde siempre se entremezclan los límites (estereotipos mentales y representativos, temores, prejuicios, desvalorización o falsas comparaciones del propio sujeto en relación a obras de otros o artistas “de moda” )  junto al nivel de interés personal, de búsqueda en uno mismo, etc.

Y el dibujo es importante en la acuarela? -alguien se preguntará-.
 Esto es otro tema....Porque aquí se suman otras preguntas comunes: ¿ podré aprender? ¿sirve aprender a dibujar? No es mejor la libre expresión “como salga”? Y para qué si ahora está la tecnología, hasta la holografía!? ¿Dibujar es Copiar?
Todo es un trato con uno mismo. La acuarela – tan silenciosa  y etérea- implica ese trato también, que lleva siempre al descubrimiento de lo aún no visto. Paradójicamente aprender a ver es lo fundamental, y aquí podría comenzar el profundo y amplio  camino del dibujo , otro verdadero arte inseparable de la práctica pictórica./
Cristina Centenaro