COLOR 2014 / CÍRCULO CROMÁTICO Y COLORES
COMPLEMENTARIOS
PARA TODA PERSONA QUE SE INTERESE POR LA
ARMONIA DEL COLOR en pintura y en su vida.
UNA EXPERIENCIA /
Más allá de las tendencias de libre expresión en el arte moderno, más
allá de la confusión general actual de creer que pintar “abstracto” o “expresionista” es pintar “lo que salga”,
tenemos que aceptar que la naturaleza viviente responde a ciertas leyes de
armonía y equilibrio dinámico que se manifiesta obviamente también en nuestro
cuerpo – nadie puede negar que somos seres vivientes y que por ejemplo nuestra
respiración, funciones biológicas, ritmos cardíaco y otros no dependen de
nuestro pensamiento y mucho menos de nuestra atención o deseos.
El color es una sensación visual. El ojo
también responde a esa ley de armonía
dinámica de la vida misma. Es el
más engañoso y superficial de los sentidos y sin embargo no escapa a esta ley
de la naturaleza. Pinte o encuentre un
cartón / superficie lisa de color intenso (un cartón aprox. de 12x12 cm
amarillo o rojo o azul o violeta, etc), color bien definido. Apóyelo sobre una superficie blanca lisa de
mayor tamaño y ubíquela frente a usted estirando bien el brazo (o sobre una
pared blanca) . Siéntese tranquilo frente a ella observándola sin tensiones.
Mirela aprox.
de medio a un minuto, dejando que la vista se
sumerja en en centro de esa superficie de
color, sostenidamente pero sin tensión ni esfuerzo. Luego - siempre manteniendo la vista fija- retire el cartón de color (con la otra mano)
con gesto rápido dejando –repito- su vista siempre fija en el mismo lugar (donde antes estaba el
color, ahora está el blanco del cartón de atrás o la pared blanca ). Inmediatamente aparecerá muy luminosa la “imagen residual” virtual, no
material, DE UN COLOR DISTINTO CREADO
POR SU PROPIO OJO. Ese color será el complemento necesario para que las células
visuales y el cerebro puedan retomar el
equilibrio y descanso dinámico al que siempre tienden. Al color lo crea el
propio ojo!!
Algunos aprendimos sobre los colores complementarios. “Los opuestos en el círculo
cromático”- nos dijeron. Con este ejercicio
de imagen residual (*),
-descubierta ya por Delacroix, por Goethe y tantos otros grandes del
llamado pasado- realizado varias veces
con distintos cartones de color, descubriremos que los colores complementarios
realmente se originan en la reacción
biológica de nuestro organismo (aquí con la visión) que busca equilibrar ,
“descansar” ante un solo color mirado tanto tiempo . Entonces llevamos incluidos en nosotros
mismos la relación de colores complementarios? Sí. Y este descubrimiento nos en
útil primero, para comprender un poco
más lo que significa nuestro organismo como viviente. Segundo, para manejarnos
en este mundo de formas llevando con nosotros este registro vital de los
colores complementarios. Veremos colores
luminosos nunca logrados con pigmentos. Experiencia que puede abrir caminos
hacia otras vivencias más profundas ya que comprobamos en nosotros mismos que
lo real no termina en lo que puedo tocar con las manos y está “fuera” de
nosotros.
El tema del círculo cromático (o mejor , de
los al menos dos círculos cromáticos), de los varios sistemas de color entre otras
definiciones y comprobaciones al alcance de todos, será tema de artículos
venideros. Por hoy ya podemos empezar a tomar nuestra visión en cuenta y, a
través de ella, saber que sí o sí para
vivir en un ambiente armónico o bien para realizar una obra pictórica, por
ejemplo es muy interesante tener presente este ejercicio visual para acercarle
al observador la situación propicia acorde con la armonía. Sabemos entonces ahora de la importancia de elegir un color dominante (en vestimenta,
ambientes, diseño, artesanía o arte) que
debemos relacionar explícita o implícitamente con su complementario.
Empezar a tomar en cuenta nuestro cuerpo como
integrante de una ley vital universal es abrir el camino a la posible
expresión que va más allá de nuestros gustos, personalidad, moda, ideología y
estudios realizados.
(*) Ver Itten “El arte del color” como
introducción general a su estudio de la
armonía y la expresión-
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PINTAR ACUARELA / ALGÚN DATO Y REFLEXIÓN
Es una pintura realizada con pigmentos unidos con goma arábiga como aglutinante . Se presentan en tubos o pastillas y diluyen con agua. Los pinceles son de pelo (natural o artificial) suave, redondos o chatos de variadas medidas según el tamaño del papel: que llega a medidas de 70 x 50cm. Estas acuarelas se denominan de “gran formato”.
En relación al óleo o al acrílico, la técnica de la acuarela es una de las más efímeras en cuanto a su materialidad. Serían como “gotas de agua coloreadas”.
El soporte en la acuarela es papel pero de un gramaje importante (esto es el peso en gramos de la hoja de papel (se sugiere desde 150/ 170 grs para principiantes hasta un promedio de 300 gramos o más para uso profesional) , lo que brinda en definitiva un grosor conveniente y resistencia para soportar ser humedecida, lavada, raspada, y remojada total o parcialmente varias veces. Hay marcas clásicas de hoja especial para acuarela.
Qué brinda esta técnica a la persona que pinta?
En principio, rapidez y luminosidad .
Esa rapidez es la inmediatez . Llevando pocos pinceles y un frasco con agua, un trapo y un pequeño bloc de hojas, rápidamente uno se ubica frente al tema exterior o interior y, previo marcado de líneas y direcciones con lápiz, con varias manchas ( en minutos o alguna que otra hora) se puede definir una obra que muchas veces supera el “boceto” o “previo estudio de”
Luminosidad / Al trabajar con acuarela, el blanco del papel juega un rol fundamental. Ese blanco debe traslucirse siempre dando dicha luminosidad a las manchas de color. Desde la máxima claridad jugando como blanco, hasta aparecer aún bajo los tonos más oscuros. Una buena acuarela nunca obtura el papel ni da sensación de sectores opacos “muertos”.
Luminosidad y transparencia son dos aspectos esenciales en esta técnica.
Dónde y cómo se apoya el papel
Inclinación :Hay tantas maneras de uso como personas que la practiquen, depende del objetivo, hasta de la personalidad y capacidad de la persona.
Clásicamente se enseña que la hoja debe mantenerse inclinada y adherida perfectamente por sus lados con cinta de enmascarar (previo humedecer la hoja o no) a un soporte rígido (chapadur, fibrofácil, etc. Algo rígido liviano y con superficie perfecta sin rugosidad)
Esta inclinación ayuda a la caída de la gota de color, cuando se hacen los llamados “lavados” o cuando se quiere direccionar las manchas húmedas.
Otros trabamos con la hoja libremente prendida con algunos clip , lo que nos da facilidad en el control de las manchas, por ejemplo.
Otros ubican el soporte completamente vertical, otros horizontal. O sea, hay como en toda técnica, directivas y consejos básicos –que son muy útiles porque siempre nos hablan de las posibilidades y límites de la materia-color (según su aglutinante, soporte, relación graso, acuoso, etc,etc).
Una vez obtenido ciertos consejos, lo fundamental es empezar la práctica y así interactuar –como sucede naturalmente- con la observación y nuevas búsquedas profundizando el procedimiento ya desde la necesidad interior del sujeto.
Además, junto con la ubicación del papel está la posición y actitud del sujeto: cómo ubicamos nuestro cuerpo, nuestras manos, cómo tomamos el pincel? Depende de muchas cosas ...pero de lo que sí podemos estar seguros es de que una pintura surge del cuerpo humano -( o sea, de un ser vivo, orgánico) algo tan obvio y a veces tan poco tenido en cuenta - que termina en un gesto personal a través del pincel.
En la historia de la acuarela ésta ha sido utilizada desde para colorear letras, ilustrar escritos, bocetar temas al aire libre para luego realizarlos en óleo (aquí directamente como arte menor y de apoyo secundario). Otros artistas descubrieron su potencial intrínseco donde la acuarela comienza a desplegar su belleza propia. Todas estas formas siguen coexistiendo entre los tantos acuarelistas de los diversos países que hoy podemos valorar –en sus distintos niveles de profundidad- .. Aquí tienen un importante valor para todos (nosotros artistas y principiantes) y las distintas páginas de arte, de enseñanza de técnicas hasta de artistas valiosísimos que se muestran en videos pintando sus acuarelas del inicio al fin.
Como en toda expresión , a grandes rasgos, se descubren tendencias figurativas, expresionistas, naif (algunas en realidad “infantiles”), las llamadas abstractas.... etc.
Luego también aparece el llamado “estilo”, que cada uno va forjando donde siempre se entremezclan los límites (estereotipos mentales y representativos, temores, prejuicios, desvalorización o falsas comparaciones del propio sujeto en relación a obras de otros o artistas “de moda” ) junto al nivel de interés personal, de búsqueda en uno mismo, etc.
Y el dibujo es importante en la acuarela? -alguien se preguntará-.
Esto es otro tema....Porque aquí se suman otras preguntas comunes: ¿ podré aprender? ¿sirve aprender a dibujar? No es mejor la libre expresión “como salga”? Y para qué si ahora está la tecnología, hasta la holografía!? ¿Dibujar es Copiar?
Todo es un trato con uno mismo. La acuarela – tan silenciosa y etérea- implica ese trato también, que lleva siempre al descubrimiento de lo aún no visto. Paradójicamente aprender a ver es lo fundamental, y aquí podría comenzar el profundo y amplio camino del dibujo , otro verdadero arte inseparable de la práctica pictórica./
Cristina Centenaro